Gráfica textil de Miguel Covarrubias

un autorretrato como olmeca

Apodado “El Chamaco” por su talento precoz, Covarrubias había publicado sus primeras caricaturas a los catorce años de edad. Dejó incompletos sus estudios en la Escuela Nacional Preparatoria y se formó de manera autodidacta al frecuentar con timidez el círculo del Dr. Atl, Orozco, Rivera, Siqueiros y otros artistas. Partió de México en 1923, antes de cumplir veinte años, y sentó sus reales en Nueva York. Allá tuvo eco su habilidad extraordinaria para plasmar de manera gráfica, con fino sentido del humor, los rasgos que definen a una personalidad. Reconocido por Rufino Tamayo y Carlos Mérida, sus coetáneos en la Gran Manzana, Covarrubias encontró cabida en publicaciones de la talla de Vogue, Vanity Fair y el New Yorker. Después de su llegada a la ciudad de Nueva York en 1923, el potencial artístico de Covarrubias fue rápidamente reconocido por el novelista y crítico influyente Carl Van Vechten, así como editor de la revista Vanity Fair, Frank Crowninshield, un hombre de gusto impecable y un campeón de las tendencias modernistas en la sociedad de Nueva York.  Sus retratos se convirtieron en referente obligado de la pasarela social de esos años y contribuyeron a forjar el culto a las “celebridades”, bajo los reflectores de Broadway y Hollywood.

El alcance de la carrera de Miguel Covarrubias fue notable y refleja el cambio cultural y el espíritu inquieto del siglo pasado.  Un hombre de muchos talentos, él también comenzó a diseñar decorados y el vestuario para el teatro, incluyendo el número Rancho Mexicano para la bailarina y coreógrafa Rosa Rolando. Los dos se enamoraron y viajaron juntos a México, Europa, África y el Caribe a mediados de la década de 1920 a finales de los años. Durante uno de sus viajes a México, Rosa y Miguel viajaron con Tina Modotti y Edward Weston, quien enseñó Rosa fotografía. Rosa también fue presentado a la familia y amigos, incluyendo artista Diego Rivera de Miguel. Rosa se ​​convertiría en amigos de por vida con la segunda esposa de Rivera, el artista Frida Kahlo.  De inmediato se enamoró de la escena del jazz de Harlem, que frecuentaba con Rosa y amigos, incluyendo Eugene O'Neill y Nickolas Muray. Contó muchas personas notables entre sus amigos, incluyendo Zora Neale Hurston, Langston Hughes y W.C. Handy para quien también ilustra libros. Caricaturas de Miguel de los clubes de jazz fueron los primeros de su tipo impreso en la revista Vanity Fair.  Se las arregló para capturar el espíritu del Renacimiento de Harlem, en la mayor parte de su obra. No consideraba que estas caricaturas, dibujos, pero graves de la gente, la música y una cultura que amaba.

Miguel y Rosa se ​​casó en 1930 y se llevaron una larga luna de miel a Bali con el dinero del premio de Medalla de Directores Nacionales de Arte ", donde se sumergieron en la cultura local, el idioma y las costumbres. Miguel regresó a Asia Sur-Oriental (Java, Bali, India, Vietnam) en 1933, con una beca de Guggenheim con Rosa cuya fotografía se convertiría en parte del libro de Miguel, la isla de Bali.  Rosa y Miguel regresaron a vivir en la Ciudad de México, donde continuó pintando, ilustrar y escribir. Su casa, Tizapán, se convertiría en un centro para visitantes de todo el mundo. Enseñó la etnología en la Escuela Nacional de Antropología e Historia y fue nombrado director artístico y el director de la administración de un nuevo departamento en el Palacio de Bellas Artes, el Palacio Nacional de Bellas Artes.  Su mandato consistía en añadir una Academia de Danza - una tarea a la que Rosa con su baile y coreografía de fondo era más valioso. Miguel reclutó amigo y bailarín José Limón que trajo a su compañía de danza de la ciudad de Nueva York para la temporada inaugural en 1950, enseñó en Bellas Artes y ayudó a organizar una exposición internacional de esta nueva compañía de danza moderna mexicana. Durante el mandato de Miguel, la danza tradicional mexicana no sólo fue investigado, documentado y preservado, pero por esta investigación en sus raíces, que ayudó a marcar el comienzo de una nueva era en la danza contemporánea mexicana.

Covarrubias es conocido por su análisis del arte precolombino de Mesoamérica, en particular la de la cultura olmeca, y su teoría de la difusión cultural de México en el norte, en especial a los cultivos de Mississippi nativo indio americano. Su análisis de la iconografía presentó un caso fuerte de que los olmecas eran anterior a los años antes de la Era Clásica esto fue confirmado por la arqueología. Su interés por la antropología fue más allá de las artes y más allá de las Américas. Covarrubias vivió y escribió una etnografía completa de la "Isla de Bali". Compartió su apreciación de las culturas extranjeras con el mundo a través de sus dibujos, pinturas, escritos y caricaturas.

Nicknamed "El Chamaco" or “The Kid” for his precocious talent, Covarrubias had published his first cartoon at fourteen years old.  He didn't finish his studies at the Escuela Nacional Preparatoria and was self-taught by frequenting the circle of Dr. Atl, Orozco, Rivera, Siqueiros and other artists. He left Mexico in 1923, before the age of twenty, and settled in New York.  There he resonated with his extraordinary ability to capture graphically, with fine sense of humor, traits that define a personality.  Recognized by Rufino Tamayo and Carlos Mérida, his contemporaries in the Big Apple, Covarrubias found a place in publications like Vogue, Vanity Fair and The New Yorker.  After his arrival in New York City in 1923, Covarrubias's artistic potential was quickly recognized by the novelist and influential critic Carl Van Vechten as well as Vanity Fair's Editor Frank Crowninshield, a man of impeccable taste and a champion of modernist trends in New York society.  His portraits became the proof that one had been accepted in society in those years and helped shape the cult of "celebrity" for Broadway and Hollywood.

The scope of the career of Miguel Covarrubias was remarkable and reflected the cultural shift and restless spirit of the last century.  A man of many talents, he also began to design sets and costumes for the theater including Rancho Mexicano number for dancer and choreographer Rosa Rolando.  The two fell in love and traveled together to Mexico, Europe, Africa and the Caribbean in the mid to late 1920s. During one of their trips to Mexico, Rosa and Miguel traveled with Tina Modotti and Edward Weston, who taught Rosa photography. Rosa was also introduced to Miguel's family and friends including artist Diego Rivera. Rosa would become lifelong friends with Rivera's second wife, the artist Frida Kahlo.  He immediately fell in love with the Harlem jazz scene, which he frequented with Rosa and friends including Eugene O'Neill and Nickolas Muray. He counted many notables among his friends including Zora Neale Hurston, Langston Hughes and W.C. Handy for whom he also illustrated books. Miguel's caricatures of the jazz clubs were the first of their kind printed in Vanity Fair. He managed to capture the spirit of the Harlem Renaissance in much of his work. He did not consider these caricatures, but serious drawings of people, music and a culture he loved. 

Miguel and Rosa married in 1930 and they took an extended honeymoon to Bali with the prize money from National Art Directors' Medal where they immersed themselves in the local culture, language and customs. Miguel returned to Southeast Asia (Java, Bali, India, Vietnam) in 1933, as a Guggenheim Fellow with Rosa whose photography would become part of Miguel's book, Island of Bali.  Rosa and Miguel returned to live in Mexico City where he continued to paint, illustrate and write. Their home, Tizapán, would become a hub for visitors from around the world. He taught ethnology at the Escuela Nacional de Antropología e Historia and was appointed artistic director and director of administration for a new department at the Palacio de Bellas Artes, the National Palace of Fine Arts.  His mandate was to add an Academy of Dance - a task to which Rosa with her dance and choreography background was most valuable. Miguel recruited friend and dancer José Limón who brought his dance company from New York City for the inaugural season in 1950, taught at Bellas Artes and helped arrange for international exposure of this new Mexican modern dance company. During Miguel's tenure, traditional Mexican dance was not only researched, documented and preserved but by this research into its roots, it helped usher in a new era in contemporary Mexican dance.

Covarrubias is known for his analysis of the pre-Columbian art of Mesoamerica, particularly that of the Olmec culture, and his theory of Mexican cultural diffusion to the north, particularly to the Mississippian Native American Indian cultures. His analysis of iconography presented a strong case that the Olmec predated the Classic Era years before this was confirmed by archaeology. His interest in anthropology went beyond the arts and beyond the Americas. Covarrubias lived in and wrote a thorough ethnography of the "Island of Bali". He shared his appreciation of foreign cultures with the world through his drawings, paintings, writings, and caricatures.

el vestido de tehuana

el vestido de tehuana

el vestido de tehuana

el vestido de tehuana

Nicolasa Pasqual y los tejedores de San Bartolo Yautepec

Nicolasa Pasqual

Esto es el primero en una serie de historias sobre tejidos del istmo de Tehauntepec en el estado de Oaxaca.  Nicolasa Pasqual vive en el pueblo de San Bartolo Yautepec aproximadamente 15 kilómetros de la carretera panamericana.  Su pueblo era conocido en el pasado por algunos de los mejores algodón tejido en Oaxaca.  Nicolasa es uno de los artistas que se presentan en los Grandes Maestros de Oaxaca Folkart.

Nicolasa Pasqual at work

This is the first in a series of stories about textiles of the isthmus of Tehauntepec in the state of Oaxaca.  Nicolasa Pasqual lives in the pueblo of San Bartolo Yautepec about 15 kilometers off the Pan-American highway.  Her pueblo was once known for making some of the finest cotton weaving in Oaxaca.  Nicolasa is one of the artists featured in the Great Masters of Oaxacan Folkart.  She weaves using a traditional back-strap loom with cotton warp and weft to produce a plain weave with figures added by supplementary weft.  In plain weave, the warp and weft form a simple crisscross pattern.

Adición de una figura con trama suplementaria

Ella teje usando un telar de cintura tradicional con algodón urdimbre y la trama para producir un tafetán con figuras añadidas por trama suplementaria.  En tafetán, la urdimbre y la trama forma un simple patrón cruzado.  Nicolasa trabaja tan sutilmente que usa una aguja para una lanzadera. Sólo es capaz de hacer seis huipiles tejidos tradicionales por año.  Hay otras mujeres que tejen en San Bartolo Yautepec incluyendo a la hija de Nicolasa y hermanas y primas.

Nicolasa works so finely that she uses a needle for a shuttle.  She is only able to make six traditional woven huipiles per year.  There are other women that also weave in San Bartolo Yautepec including Nicolasa’s daughter and sisters and cousins.

Adding a figure with supplemental weft

¿Cómo llega uno a San Bartolo Yautepec? Una manera es contratar un guía. Eric, cuya empresa Tradiciones de México, ofrece tours específicamente para textiles en español e inglés.  Se anuncian sus giras por el Museo Textil de Oaxaca.  Si usted no es capaz de hacer una excursión programada, Linda Hanna, que es un entusiasta textil, puede organizar una visita adaptadas a sus necesidades.  Si no puede viajar a San Bartolo Yautepec, el trabajo de Nicolasa se puede comprar en la tienda de Remigio Mestes, Los Baúles de Juana Cata, en Macedonio Alcalá 403.

La hija de Nicolasa Pasqual

Micaela Jiménez Pineda and a happy customer

How does one get to San Bartolo Yautepec?  One way is to hire a guide.  Eric, whose company Traditions of Mexico, provides tours specifically for textiles in both Spanish and English.  His tours are advertised by the Museo Textil de Oaxaca.  If you are not able to make a scheduled tour, Linda Hanna who is a textile enthusiast, can arrange a tour tailored to your needs.  If you cannot travel to San Bartolo Yautepec, Nicolasa’s work can be bought at Remigio Mestes’s shop, Los Baúles de Juana Cata on the Macedonio Alcalá 403.

El tejido de Nicolasa Pasqual

Zanqueros

Transcomunalidad Intervenciones Y Colaboraciones Con Comunidades De Zanqueros

El 7 de diciembre, el museo textil tuvo una inauguración de la Transcomunalidad Intervenciones Y Colaboraciones Con Comunidades de Zanqueros. Como una parte de la inauguración hubo una actuación de zanqueros de Oaxaca, Mx y Brooklyn, NY. En el museo se pueden ver los trajes de muy buena calidad y una colección de muñecas vestidas como zanqueros. La exposición continúa hasta el 12 de abril.

Esta descripción es de folleto de la exposición del Museo Textil:

La presente exposición es una muestra del trabajo realizado por Laura Anderson Barata, artista multidisciplinar, en conjunto con zanqueros tradicionales de las Antillas y México.  En colaboración con Miembros de la comunidad y artesanos tradicionales, Laura fusiona dinámicas del arte contemporáneo y participativas. Cada una de las piezas que se presentan en esta muestra han formado parte de una celebración, de una ceremonia, o bien, de intervenciones espontáneas, como en el Carnaval de Puerto Espana, El Desfile de las Antillas de Brooklyn, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, las calles de Wall Street en Nueva York, y los Festejos de San Pedro y San Pablo en Zaachila, Oaxaca.  En las obras resultantes confluyen las nociones de arte comunitario, arte público, performance, escultura y tradición.

Transcomunalidad presenta el inicio de este proyecto en Trinidad y Tobago y la integracion que ha hecho Laura con un grupo de zanqueros de las Indias occidentales y África Occidentale que actualmente vive en Brooklyn: The Brooklyn Jumbies. Más recientemente se han incorporado Los zancudos de Zaachila, en Oaxaca.  La unión de estas tradiciones vivas en colaboración ha sido un ejercicio de acompañamiento: su propuesta ha creado puentes entre continentes, culturas y comunidades, donde los trajes resultantes demuestran la fusión del arte contemporáneo con aspectos tangibles e intangibles del patrimonio cultural.

Hay muchas más fotos si usted va a mi álbum web de Picasa haciendo clic aquí.

On the 7th of December the textile museum had an inauguration of the Transcomunalidad Intervenciones Y Colaboraciones Con Comunidades De Zanqueros.  As a part of the inauguration there was a performance by stilt walkers from Oaxaca, Mx and Brooklyn, NY.  In the museum you can see costumes of very fine quality and a collection of dolls dressed as stilt walkers.  The exhibition continues until the 12th of April.

This exhibition is the work of Laura Anderson Barata, multidisciplinary artist, along with traditional stilt walkers of the Antilles and Mexico. In collaboration with community members and traditional craftsmen, Laura merges the dynamics of contemporary art and participation. Each of the pieces presented in this exhibition have been part of a celebration, a ceremony, or spontaneous intervention, as in the Carnival of the Port of Spain, the West Indian Parade in Brooklyn, the Museum of Modern Art New York, the streets of Wall Street in New York, and San Pedro and San Pablo Celebrations in Zaachila, Oaxaca. The resulting works bring together the notions of community art, public art, performance, sculpture and tradition.

Transcomunalidad presents the beginning of this project in Trinidad and Tobago and the integration that Laura made with a group of West Indian and Western Africa stilt walkers now living in Brooklyn: The Brooklyn Jumbies, and more recently having incorporated Los Zancudos de Zaachila in Oaxaca. That the union of these traditions live in collaboration has been an exercise in accompaniment; the proposal has created bridges between continents, cultures and communities, where the resulting fusion of costumes show contemporary art with tangible and intangible aspects of cultural heritage.

There are many more photos if you go to my Picasa Web Album by clicking here.

Nuevo diseno textil 2011 (en español y en inglés)

Para citar a Alejandro de Ávila B., curador del exposiciones en el Museo Textil de Oaxaca.

Zenaida Pérez Mendoza es una tejedora magistral de Pinotepa de Don Luis, en la costa de Oaxaca.  Zenaida habla tu un savi que podemos traducir como palabra de la lluvia sagrada.  En español designamos a su lengua y a su pueblo como mixtecos, termino derivado del náhuatl mixtecah, gente de los nubes. El año pasado de 2010, Zenaida tejió tres lienzos para un huipil que le encargó Remigio Mestas Revilla, apasionada promotor del arte textil de Oaxaca.  Zenaida tejió esta vez el tipo más fino de huipil, usado antiguamente por una mujer el día que se casaba y guardado por ella con cuidado toda su vida para ser enterrada en él cuando moría. Olga González Pérez, hija de Zenaida, ha seguido los pasos de su madre. Ahora teje lienzos aun más delicados, casi transparentes, donde los diseños, blancos parecen flotar en el aire.  No es probable que Olga vista un huipil para su boda porque, a diferencia de su madre, ella no usa el posahuanque, la falda de enredo de las mujeres mixtecas de la costa. Huipil y posahuanque  son íconos de la identidad indígena, y la juventud de Don Luis ya no quiere ser discriminada por su herencia cultural. Pero de manera paralela y contradictoria, la habilidad de Olga y de Zenaida como tejedoras se ha refinada conforme sus lienzos son reconocidos en el ámbito urbano como arte a secas, sin el calificativo "popular".  Nos parece poéticamente justo que la gente de las nubes siga distinguiendose por obras tan etéreas.

Esta exposición muestra el trabajo de Olga y otras artistas destacadas del telar y la aguja hoy día. Se trata en todos los casos de piezas especiales, hechas por encargo para ser vendidas y admiradas fuera de su comunidad de origen.  Los lienzos tejidos en Don Luis ejemplifican esta tendencia innovadora: Remigio le proporcionó a Olga hilo de algodón egipcio para las diseños brocados. Varias otras piezas aquí expuestas fueron hechas de igual manera con hilaturas industriales de alta calidad, que no se consiguen en el mercado nacional.  Muchas de los tejidos que presentamos combinan esos materiales importados con hilados manuales de seda y algodón teñidos con los colorantes más apreciados de Oaxaca y de México: la grana del nopal, el caracol púrpura y el añil vegetal. Si bien los tintes por sí mismos nos remiten al pasado mesoamericano, las tonalidades puras logradas para esta muestra son sutilmente distintas de las piezas antiguas. Más aun, las combinaciones cromáticas son en muchas casos radicalmente diferentes de los huipiles y enredos que vistieron las abuelas de estas artistas, pero manifiestan un sentido del color tan rico y consumado como los mejores tejidos clásicos de Oaxaca.

Podemos apreciar ese mismo patrón de innovaciones harmoniosas si examinamos el diseño de las piezas expuestas. Olga y sus companeras de generación han retomado las figuras tradicionales, recreandolas con ajustes de escala y densidad para lograr composiciones novedosas. En algunos casos han ideado una iconografía enteramente distinta, que sin romper con los cánones formales del diseño indígena, como la simetría bilateral y bifacial del las prendas,plasma nuevas ritmos visuales. Abren de esa manera nuestra percepción a un impulso creativo que rebasa las expectativas del arte popular mexicano convencional. De repente advertimos en algunas piezas semejanzas con ciertos textiles africanos, mientras que otras nos evocan el art deco o la gráfica op-art de los años 1960. Esas impresiones, sin embargo, son engañosas. No estamos asistiendo a una hibridación plástica transcultural, ni mucho  menos. Las tejedoras y bordadoras simplemente han iniciado nuevas exploraciones dentro de las posibilidades que les ofrecen los materiales, las técnicas y los formatos tradicionales. Si la muestra nos sorprende es por la creatividad liberada cuando las artistas comunitarias son motivadas y retribuidas de manera digna.

Para ver más fotos por favor vaya a mi álbum web de Picasa.

To quote Alejandro de Ávila B., curator of exhibits at the Museo Textil de Oaxaca.

Zenaida Perez Mendoza is a master weaver of Pinotepa de Don Luis, on the coast of Oaxaca. In Spanish we designate her language and her people as Mixtec, a term derived from Nahuatl mixtecah, people of the clouds. Last year, 2010, Zenaida wove three linen cloths for a blouse that was ordered by Remigio Mestas Revilla, passionate promoter of Oaxaca textile art. This time, Zenaida wove the finest type of huipil, used by a woman on her wedding day and carefully saved by her all her life in order to be buried in it when she died. Olga Gonzalez Perez, Zenaida’s daughter, has followed in the footsteps of her mother. Now even more delicate woven linen, almost transparent, where white designs seem to float in the air. Olga is not likely to wear a blouse for her wedding because, unlike her mother, she does not use the posahuanque, the gathered skirt of Mixtec women from the coast.  Huipil and posahuanque are icons of indigenous identity, and the youth of Don Luis do not want to be discriminated by their cultural heritage. But in parallel and contradictory, the ability of Olga and of Zenaida, how weavers have refined in accordance with their linens as his paintings are recognized in urban areas as art itself, without the adjective "popular".  It seems poetic that people who follow the clouds are distinguished by works so ethereal.

This exhibition showcases the work of Olga and other outstanding artists of the loom and needle today. These are all special pieces, made ​​to order, to be sold and admired outside their home community. The linen fabrics in Don Luis exemplify this innovative trend: Remigio provided Olga with Egyptian cotton thread for brocaded designs. Several other pieces presented here were done the same way with high quality industrial yarns, which are not available in the domestic market. Many of the fabrics we present combine these materials imported handspun silk and cotton yarn dyed colors most cherished of Oaxaca and Mexico: cochineal, purple from snails and the indigo plant. While the dyes themselves remind us of the Mesoamerican past, pure hues achieved for this sample are subtly different from the old pieces. Moreover, the color combinations are in many cases radically different from the huipiles and posahuanque that the grandmothers of these artists wore, but they express a sense of color so rich and accomplished as the best classic fabrics Oaxaca.

We see the same pattern of harmonious innovations by examining the design of the exhibits. Olga and her co-generation have taken up the traditional figures, recreating them with adjustments of scale and density to achieve novel compositions. In some cases they have devised an entirely different iconography, without formal breaking with the canons of indigenous design, as reciprocal and two sided symmetry of the garments, new visually flowing rhythms. In that way they open our perception to a creative impulse that exceeds the expectations of conventional Mexican folk art. Suddenly we notice some similarities with certain parts African textiles, while others evoke the art deco or graphic op-art of the 1960s. These impressions, however, are misleading. We are not witnessing a plastic cross hybridization, far from it. The weavers and embroiderers simply have initiated new exploration into the possibilities offered materials, techniques and traditional formats. If the sample is surprises us, it is for creativity released when the community artists are motivated and rewarded in a dignified manner.

For more pictures please go to my picasa web album.